CURADORA. NUEVA YORK. EE.UU.
JINYI FREYA XU (2002) ES CAPAZ DE CONSTRUIR EXPOSICIONES Y ENCUENTROS. CADA PROYECTO ES UN DISPOSITIVO PARA LAS RELACIONES, UN MAPA DE TENSIONES ENTRE LA IDEA Y LA MATERIALIZACIÓN. LEJOS DE LA NEUTRALIDAD, SU PRÁCTICA CURATORIAL ACTIVA EL ESPACIO, OBLIGÁNDOLO A SER HABITADO DESDE LA PRESENCIA. LA MEMORIA, QUE UNA VEZ FUE PERSONAL, SE VUELVE COLECTIVA. PROTAGONIZADO POR JINYI FREYA XU @FREYA.ART.SYMPHONY
TEXTO POR CHUMBUM PARK. PIECE WITH ARTIST MAGAZINE
“¿Podrías presentarte? ¿Dónde estudiaste arte y por qué te dedicas a la práctica curatorial?“
Me llamo Jinyi Freya Xu y hace poco que me gradué de la Universidad de Nueva York, en el máster de Administración de Artes Visuales. Mi formación académica combina historia del arte, gestión cultural, estudios curatoriales y el mercado global del arte. Durante mi tiempo en Nueva York, he trabajado en galerías, ferias de arte, proyectos de asesoría artística e iniciativas curatoriales independientes; experiencias que me han dado una visión tanto de la dimensión intelectual como operativa del mundo del arte contemporáneo.
Me interesé por la práctica curatorial porque vi exposiciones excelentes, como las de Georgia O’Keeffe y Henry Moore en el MFA de Boston, y una gran práctica curatorial en el MoMA, el Museo Guggenheim y muchas galerías emergentes de Nueva York. Para mí, curar no es simplemente presentar obras de arte; se trata de crear relaciones significativas entre artistas, ideas, espacios y públicos. Así que comencé mi primera exposición en Accent Sisters con mis amigos, Shuhan Zhang, Luman Jiang y Yvonne Yitian Xu, que son grandes curadoras, para descubrir la relación entre el espíritu y la comida a través de la exposición titulada Inner Feast. A través de esta experiencia curatorial, me interesa explorar cómo el arte contemporáneo puede generar nuevas formas de entender la identidad, la memoria, la percepción y nuestra relación con el mundo que nos rodea.
Para mí, dedicarme a la práctica curatorial no es solo seleccionar y mostrar obras; es una metodología fundamental para construir experiencias perceptuales y explorar las estructuras psicológicas que definen nuestra interacción con el mundo. Veo el espacio expositivo como un contenedor poroso donde pueden converger la energía subconsciente, la memoria cultural y la realidad material. Mi pasión está en transformar la indagación filosófica o psicológica abstracta en espacios físicos y tangibles que inviten a una profunda integración del espectador y al diálogo.
“¿Qué buscas como curadora al seleccionar artistas y sus obras? ¿Cómo comisarias? ¿Cuáles son las cualidades de los artistas que te atraen?“
Me atraen los artistas cuyas prácticas surgen de una indagación genuina más que de tendencias estéticas. Los artistas que más me interesan son aquellos que usan el arte como un método de investigación, ya sea explorando la memoria, la identidad, la corporalidad, la migración, el lenguaje, la tecnología o las estructuras sociales.
Al curar, comienzo con un marco conceptual en lugar de un medio o estilo predefinido. Busco obras que puedan entrar en diálogo entre sí mientras mantienen su complejidad individual. Me interesan particularmente los artistas que poseen rigor intelectual, honestidad emocional y una disposición a abrazar la ambigüedad.
Al seleccionar artistas, me siento constantemente atraída por aquellos cuyo trabajo demuestra una profunda conciencia de la materialidad, la profundidad temporal y una capacidad única para el lenguaje intuitivo o simbólico. Me fascinan los artistas que tratan su obra como participantes activos capaces de contener memoria, afecto o tensión psicológica, ya sea a través de medios mixtos, cerámica o intervenciones espaciales.
Mi enfoque curatorial es profundamente conceptual y fenomenológico. En lugar de organizar exposiciones en torno a temas estáticos e ilustrados, busco tratar los conceptos como preguntas metodológicas. Por ejemplo, en mi proyecto Inner Feast, la exposición se curó como un “banquete psicológico”, estructurando el espacio en una progresión psíquica de tres platos (entrante, plato principal, postre) para guiar a los espectadores a través de su propio subconsciente. En definitiva, me atraen los artistas que poseen un riguroso espíritu experimental y cuyo trabajo permite un diálogo no lineal con los sentidos del público. Como Annie Zhuang Yuan con Five Spices, que usa especias reales para representar cinco tipos de recuerdos, identidades e ideologías en una instalación móvil pero equilibrada, lo cual me hizo sentir muy conectada, así que incluí la obra en la exposición.
“¿Cómo buscas diferenciarte de otros curadores? ¿Qué tiene de única tu visión curatorial?”
Mi práctica curatorial está moldeada por un interés en la relación entre la conciencia individual y los sistemas sociales más amplios. Me fascina cómo las experiencias personales (memoria, deseo, ansiedad, intimidad, pertenencia) están influenciadas por estructuras culturales, políticas y económicas más amplias. Además, mi firma curatorial única radica en tender puentes entre esferas filosóficas aparentemente dispares, como yuxtaponer los modelos freudianos y junguianos del psiquismo con la filosofía del wu wei (无为) taoísta. Asimismo, busco reformular temas como la “memoria” o la “cualidad de objeto” en indagaciones estructurales. En lugar de simplemente mirar hacia el pasado, mis exposiciones exploran el yo presente. A veces una exposición crece orgánicamente con el trabajo del artista y los conceptos se extienden y desarrollan por sí mismos.
En lugar de tratar el arte como un objeto puramente estético, abordo las exposiciones como espacios donde se intersectan dimensiones psicológicas, filosóficas y sociales. Me interesa especialmente crear exposiciones que permitan la reflexión emocional e intelectual al mismo tiempo.
Como alguien que trabaja entre Asia y Estados Unidos, también aporto una perspectiva transnacional a mis proyectos. Me interesan las cuestiones de la traducción cultural, la diáspora y las formas en que las identidades se negocian continuamente a través de diferentes contextos.
“¿Cómo influyen la historia del arte y la teoría en tu práctica curatorial? ¿Cuáles son algunas de las ideas filosóficas o pensamientos que te preocupan como curadora?”
La historia del arte y la teoría proporcionan marcos esenciales para comprender la producción artística contemporánea. Nos permiten situar las obras individuales dentro de trayectorias culturales e históricas más amplias. La historia del arte es mi raíz y guía cada uno de mis pensamientos de manera subconsciente. Mi apreciación del arte se basa en la historia del arte que aprendí, las obras maestras que digerí y la gran teoría del arte que leí. Lo que más me influyó es el Surrealismo y el manifiesto escrito por André Breton, particularmente su creencia de que la imaginación, los sueños, la intuición y el inconsciente poseen un potencial transformador. Lo que me fascina del Surrealismo no es solo su lenguaje visual, sino su ambición de derribar las fronteras entre el pensamiento racional y la experiencia interior. El movimiento proponía que la realidad es mucho más rica y compleja de lo que se puede observar en la superficie, una idea que sigue resonando en mí como curadora.
Este interés por las dimensiones invisibles de la experiencia humana me ha llevado hacia pensadores como Sigmund Freud y Carl Jung, cuyas teorías del inconsciente, la memoria, el deseo, los arquetipos y la transformación psicológica continúan influyendo en mi enfoque de la creación de exposiciones. En mis propios proyectos curatoriales, me siento atraída a menudo por artistas que exploran temas como la memoria, la identidad, la emoción, los sueños, el ritual y la mitología personal. Me interesa cómo las obras de arte pueden funcionar como manifestaciones visuales de estados internos que de otro modo son difíciles de articular a través del lenguaje.
En definitiva, la teoría no sirve como un marco rígido que dicta mis decisiones curatoriales, sino como una herramienta que me ayuda a hacer mejores preguntas. Las exposiciones que más me interesa crear son aquellas que invitan al espectador a moverse entre la indagación intelectual y la experiencia emocional. En lugar de presentar conclusiones fijas, espero crear espacios donde el público pueda reflexionar sobre las complejidades de la existencia humana, descubrir conexiones inesperadas y comprometerse con el arte como una experiencia tanto personal como colectiva.
“Entre la teoría y la práctica, ¿cuál consideras más importante para el campo del arte? ¿Cómo fundamenta la práctica la teoría en la realidad? ¿Empuja la teoría a la práctica hacia direcciones más imaginativas y aspiracionales? ¿O son las dos incompatibles?”
No veo la teoría y la práctica como fuerzas opuestas. Más bien, existen en una relación productiva. La teoría proporciona lenguaje, contexto y marcos críticos que nos ayudan a comprender las prácticas artísticas. La práctica, por otro lado, pone a prueba los límites de la teoría al comprometerse directamente con el material, la experiencia y la realidad.
Sin teoría, el arte corre el riesgo de volverse puramente decorativo. Sin práctica, la teoría corre el riesgo de desvincularse de la experiencia vivida. El trabajo artístico y curatorial más convincente surge cuando la teoría y la práctica se desafían y se informan mutuamente de manera continua. La teoría actúa como el catalizador imaginativo. Expande nuestro vocabulario y empuja a la práctica lejos del esteticismo repetitivo hacia terrenos aspiracionales y profundamente reflexivos. Sin embargo, la teoría sin práctica permanece atrapada en una cámara de eco insular. La práctica es lo que fundamenta la teoría en la realidad. Traduce textos abstractos en intervenciones táctiles y espaciales, como la textura de los pigmentos minerales sobre papel de arroz o el aroma de bolsas de especias hechas a mano. El espacio expositivo es precisamente donde la teoría se “digiere” y se siente, transformando estructuras intelectuales frías en cálidas experiencias humanas vividas.
“¿Cuál es el propósito del arte contemporáneo? ¿Cómo puede servir como catalizador para cambiar el mundo a mejor?”
El propósito principal del arte contemporáneo es alterar los supuestos automáticos y familiares a través de los cuales navegamos nuestra existencia diaria. Rara vez tocamos el mundo directamente; lo tocamos a través de los filtros del lenguaje, los medios de comunicación y las narrativas sociales interiorizadas. El arte contemporáneo abre esas estructuras rígidas, creando un espacio temporal de autonomía donde podemos ver el mundo de nuevo.
Sirve como catalizador para el cambio, no necesariamente ofreciendo soluciones literales y didácticas a crisis sistémicas, sino funcionando como una herramienta para la intervención psíquica y la empatía colectiva. Al organizar exposiciones que fomentan la sanación interior, tienden puentes interculturales o reevalúan nuestra relación ecológica con los objetos materiales, el arte puede recalibrar sutilmente la conciencia humana. Seguir haciendo preguntas, hacer que la gente sea consciente de los problemas actuales, es la clave no solo para cambiar el mundo, sino para hacerlo mejor. El verdadero cambio social siempre comienza con un cambio en la percepción.
“¿Cómo ves la relación entre el arte y el dinero? ¿Existe una contradicción para los artistas al criticar el mismo sistema del que dependen para vivir? ¿Cómo puede el arte liberarse de las influencias corruptoras del poder y el dinero, o acaso no es una necesidad o quizás una imposibilidad?”
Como persona que trabaja estrechamente con el mercado del arte, veo la relación entre el arte y el dinero con realismo pragmático más que con idealismo romántico. De hecho, un mercado saludable puede proporcionar a los artistas los recursos, la visibilidad y el apoyo institucional necesarios para sostener prácticas ambiciosas. El problema surge cuando el valor financiero se convierte en el único marco a través del cual se entiende el arte. Cuando el rendimiento en el mercado comienza a reemplazar el discurso crítico, la erudición y el compromiso genuino con las ideas artísticas, el ecosistema se vuelve menos diverso y menos vibrante intelectualmente.
Tampoco veo una contradicción en que los artistas critiquen los mismos sistemas que los sostienen. Los artistas contemporáneos han abordado durante mucho tiempo cuestiones de poder, capital, trabajo e instituciones mientras participan simultáneamente en esas estructuras. Los artistas no son observadores externos que están fuera de la sociedad; son participantes activos dentro de ella. Algunas de las críticas artísticas más convincentes surgen precisamente de esta posición de proximidad más que de distancia.
“¿Son el impacto visual y la percepción los aspectos más importantes para evaluar el arte contemporáneo? ¿O la idea y el significado detrás del arte? ¿Cómo sintetizas o evalúas adecuadamente la tríada de relaciones entre color, forma y significado al ver una obra de arte o el conjunto de la obra de un artista?”
Para mí, las obras más sólidas logran una síntesis entre la forma visual y la profundidad conceptual. El impacto visual puede atraer la atención, pero el significado sostiene el compromiso.
Al evaluar una obra de arte, considero cómo el color, la forma, el material, el espacio y el concepto interactúan entre sí. Los elementos formales nunca están separados del significado, sino que son los medios a través de los cuales el significado se produce y se comunica. Una obra exitosa crea una relación en la que la experiencia estética y la indagación intelectual se refuerzan mutuamente en lugar de competir.
“¿Quiénes son algunos de los contemporáneos en el campo curatorial a quienes admiras? ¿Y figuras históricas en el campo de la curaduría de arte?”
Entre los curadores contemporáneos, admiro enormemente a Hans Ulrich Obrist por su compromiso con el diálogo y el intercambio de conocimiento, y a Okwui Enwezor por expandir los límites geográficos e intelectuales del discurso del arte contemporáneo.
También respeto profundamente a Hou Hanru por su trabajo sobre globalización, urbanismo e intercambio cultural transnacional, así como a Carolyn Christov-Bakargiev por sus enfoques curatoriales interdisciplinarios y experimentales.
Históricamente, Harald Szeemann sigue siendo una de las figuras más influyentes para mí. Sus exposiciones demostraron cómo la curaduría podía funcionar como una práctica creativa e intelectual independiente, en lugar de ser meramente un rol administrativo.
“¿Dónde te ves en los próximos 5 a 10 años? ¿Cuáles son tus metas y esperanzas para el futuro?“
En los próximos cinco a diez años, espero construir una práctica curatorial que opere a través de exposiciones, investigación, publicaciones y emprendimiento cultural.
Me interesa especialmente crear plataformas que apoyen a artistas emergentes mientras fomentan un diálogo significativo entre las comunidades artísticas asiáticas e internacionales. Me gustaría desarrollar programas de exposiciones a largo plazo que combinen el rigor académico con la accesibilidad pública.
En definitiva, mi objetivo no es simplemente organizar exposiciones, sino crear infraestructuras culturales que permitan a los artistas, las ideas y las comunidades prosperar. Espero contribuir a un ecosistema artístico más reflexivo, inclusivo y globalmente conectado.
Piece with Artist Magazine. julIO 2026. © www.piecewithartist.com
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