JULIO, 2026. TEXTO POR AURONDA SCALERA Y ALFREDO CRAMEROTTI
Contra la imagen fácil
Se nos pidió que nombráramos a tres artistas que creemos que moldearán lo que viene después. La versión fácil de este ejercicio es un pronóstico del mercado. Hemos hecho otra cosa. Hemos elegido tres prácticas que, leídas en conjunto, describen una dirección, y la dirección importa más que cualquier nombre individual. Lean Lui, Monia Ben Hamouda y Natalia Mejía Murillo trabajan en diferentes medios, desde diferentes lugares, a partir de diferentes herencias. Lo que las une es un rechazo: ninguna de ellas deja que la imagen llegue limpia. Cada una toma un sistema heredado de mirar —la fotografía, la marca sagrada, el mapa— y se niega a hacerlo transparente. En una cultura visual ahora saturada de imágenes artificiales y sin fricción, ese rechazo no es una retirada hacia el oficio o la nostalgia. Es, a nuestros ojos, la posición más avanzada disponible. Lo que una imagen retiene se ha vuelto tan expresivo como lo que muestra, y estas tres artistas lo entienden con una claridad inusual.
Lean Lui, nacida en Hong Kong, construye mundos imaginarios de chicas. Ha inventado una isla guarnecida por un batallón de soldadas, vigilada por un monumento de cristal que promete que las armas más despiadadas protegerán los corazones más puros; ha escenificado una figura con un vestido blanco que huye del encuadre, extraída de una historia de su diario de infancia. Su referente son las hadas de Cottingley, las dos primas que, en 1917, convencieron a un público crédulo, entre ellos Arthur Conan Doyle, de que unas hadas recortadas en cartón eran reales. Lo que Lui tomó de aquel episodio no fue el engaño sino el poder: dos chicas, una cámara, toda una realidad hecha creíble.
Sus imágenes son densas y acumulativas, perlas y nácar, la sombra del encaje presionada contra la piel como una red, lazos cosidos en el cabello, capullos de rosa metidos en vainas secas de loto. Nada se sustrae. Ha escrito que su cuerpo registra una mentira antes de que lo haga su mente consciente, y esa sensibilidad atraviesa todo lo que hace. Las fotografías funcionan como una especie de autorretrato por delegación: pide a sus modelos que se vistan con su propia ropa, porque aquí la vestimenta es identidad, la evidencia de dónde ha elegido situarse una persona.
Su “Girl’s Universe” en curso afloja el lenguaje visual de la cultura de consumo y la mirada generizada desde dentro, en lugar de rechazarla desde una distancia segura. Las chicas en sus imágenes nunca son objetos de la mirada; son personas que han elegido dónde situarse. Reconocida tempranamente por el Three Shadows Photography Award y expuesta desde entonces desde Hong Kong hasta Shanghái, Lui se encamina ahora hacia presentaciones individuales de mayor envergadura. A medida que la autoría de las imágenes se desliza hacia la automatización, su insistencia en la fotografía como un acto deliberado y situado de fabricación parece menos un estilo y más una postura. Creemos que es la correcta.
Monia Ben Hamouda trabaja entre Milán y Kairuán, formada tanto en la Academia Brera como, antes, en caligrafía árabe por su padre. Sus esculturas, de acero cortado con láser espolvoreado con chile, comino, henna y carbón, toman prestado el ritmo y el gesto de la escritura, pero se niegan a resolverse en algo legible. Ella llama a esto aniconismo como urgencia figurativa: una tradición heredada de retener la imagen representada, convertida en una presión que intensifica la forma en lugar de vaciarla. El resultado fluctúa entre escritura y escultura, imagen y abstracción, sin asentarse nunca en una sola.
Sus materiales arrastran sus propias historias. Las especias, usadas durante mucho tiempo en la cocina, la medicina y los rituales en todo el norte de África y Asia Occidental, se convierten a la vez en pigmento y conservante, dispuestas en densos velos sobre acero y vigas de madera recuperada. El aroma llena la sala; el residuo se asienta en el suelo; la memoria ancestral se hace físicamente presente, algo que se respira tanto como se ve. Su obra reciente se organiza en torno al eclipse, el “camino de la totalidad” del astrónomo, ese breve momento en que la luz del día se colapsa y luego regresa, una cosmología de ruptura y renovación más que de resolución. Es una manera de pensar el presente como algo que se oscurece y se recupera, nunca acabado.
Ben Hamouda ganó el Premio MAXXI BVLGARI, está presente en colecciones de museos desde Roma hasta Zúrich, y la Bienal de Venecia de 2026 ya la ha situado entre los talentos a seguir: su obra muestra hacia dónde se dirige la práctica contemporánea más cargada, que es hacia la honra de una restricción en lugar de romperla. Esa lección perdurará más allá de su momento actual, y es por eso que pertenece a esta lista de artistas femeninas poderosas.
Natalia Mejía Murillo, nacida en Bogotá y formada como grabadora y pintora, extrae su vocabulario de la astronomía, la cartografía y la arqueología, tres disciplinas que intentan medir el mundo y que, cada una, fracasan productivamente en los márgenes. A lo largo de series como Sedimentos, Dos Colapsos y Desnaturalizaciones, sus superficies se acumulan: sedimento, palimpsesto, rastro, residuo. Sus mapas se comportan como registros inestables, y el territorio, en sus manos, es algo que se estratifica y se resiste a ser aplanado.
El grabado le proporciona una lógica para pensar con la presión y la repetición, la matriz que conserva una huella mucho después del gesto que la creó. Extiende esa lógica a la instalación y a las obras sobre papel, tratando el mapa no como una herramienta para dominar el espacio, sino como un registro que se erosiona, se desplaza y se contradice a sí mismo. La obra pregunta qué deja atrás una medición y qué omite silenciosamente.
Esa resistencia es el punto. Frente a la lógica de compresión de la pantalla, donde todo se vuelve liso y disponible al instante, Mejía trata el tiempo y el lugar como cosas que se acumulan, se erosionan y se niegan a volverse sin fricción. Su trayectoria reciente —becas y residencias desde la Folger Shakespeare Library y MASS MoCA hasta el John Michael Kohler Arts Center, la Casa de Velázquez y la Fundació Miró Mallorca, y una residencia 2024–25 en la Fire Station de Doha, donde trabajamos y seguimos de cerca el ámbito— sugiere a una artista que ensambla constantemente una obra seria, lenta y sedimentaria en una cultura que recompensa la velocidad.
Por qué estas tres, ahora
Colócalas una al lado de la otra y el argumento se completa por sí solo. Una fotografía construida, una marca sagrada mantenida justo antes de la legibilidad, un mapa que se niega a asentarse: tres maneras de insistir en que la imagen es una negociación de diferentes caminos. Si el futuro próximo del arte tiene una forma, sospechamos que se parece a esto: no obras más ruidosas, sino pequeños detalles que piden ser conquistados.
Alfredo Cramerotti & Auronda Scalera
Auronda Scalera es Directora Artística, Curadora y Estratega Creativa con sede en Londres y Doha. Dr. Alfredo Cramerotti es Director del Media Majlis Museum de la Universidad Northwestern en Catar y Presidente de IKT (Asociación Internacional de Curadores de Arte Contemporáneo).
Juntos forman una de las alianzas curatoriales más destacadas del arte contemporáneo, con proyectos recientes que incluyen Cosmotechnics: Ding Yi as a Planetary Code (Fondazione Querini Stampalia, con ocasión de la Bienal de Venecia), Sougwen Chung: Body Machine (Meridians) (Palazzo Citterio, Museo de Arte Digital, Milán), y 404_LAND: Territory Not Found (HEK Museum Basel en colaboración con la Fundación Tezos).
Piece with Artist MAGAZINE © JULio 2026
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